shoot them daddy!

CERRADO POR VACACIONES PERMANENTES

2007-05-23T12:30:00.000+02:00

ARCADE FIRE Y EL SPAGHETTI WESTERN

2007-04-28T18:34:00.000+02:00

Win Butler & Régine Chassagne (Arcade Fire)

Usted puede hacer su propia aportación a la cultura pop de la mano de youtube. La televisión más cool del planeta supone una factoría pop que complementa, corrige y aumenta la gran explosión de productos irradiada por los medios y los grandes canales de consumo. O lo que es lo mismo, usted puede hacer su propio videoclip de los Arcade Fire y colgarlo en youtube.

Si hace un buen trabajo y se aprovecha de las circunstancias puede conseguir que su videoclip no oficial alcance las cincuenta y pico mil visitas en poco más de dos meses. En definitiva, usted puede aportar su propio granito de arena al imaginario pop, creando nuevos discursos, posibilitados por una tecnología elemental y sumándose a una imparable vorágine de información y productos que no para de crecer: es el pop, que nace de sí mismo. El precio se paga con la moneda de lo efímero, eso sí, y la vorágine no es otra cosa que el remolino de agua que se va por el váter.

Aprovechando la sorprendente decisión de los Arcade Fire de no hacer videoclips promocionales de su Neon Bible, el usuario de youtube conocido como jthelms nos ha proporcionado lo que muchos estábamos esperando: el nuevo videoclip de los Arcade Fire.

Dice jthelms que la última canción del disco, My Body is a Cage, le evocó un cúmulo de imágenes de un intenso spaghetti western, así que puso manos a la obra y remontó las últimas escenas de la gloriosa Hasta que llegó su hora (1968) de Sergio Leone, con el fondo musical de los Arcade Fire. De montaje tan sencillo como eficaz, esta imposible comunión entre Sergio Leone y el grupo canadiense alcanza cotas que ponen los pelos de punta, hasta tal punto que, por momentos, se diría que esto no es algo meramente anecdótico, que esto no es un producto pop más de combustión espontánea o, ya puestos, presto a deslizarse por la rampa del váter. Disfrutémoslo mientras tanto.

Videoclip no oficial de My Body is a Cage (Arcade Fire).
Autor: J. Tyler Helms (web)
Imágenes: fragmentos de la película Hasta que llegó su hora.
Duración: 4' 47''
Versión alta resolución: aquí.

POSTERS POLACOS II

2007-04-25T01:33:00.000+02:00

Alfred Hitchcock, La ventana indiscreta, 1954

David Lean, El puente sobre el río Kwai, 1959

Michelangelo Antonioni, Blow-Up, 1966

Fred Zinnemann, Chacal, 1973

Bob Fosse, All That Jazz, 1979

Abraham & Zucker, Aterriza como puedas, 1980

Sydney Pollack, Memorias de África, 1985

Martin Scorsese, Jo, qué noche, 1985

David Lynch, Mullholand Drive, 2001

+ Pósters polacos: STD! cinemaposter

DROGADICTA: YOUTUBE Y EL TRASH

2007-04-22T13:24:00.000+02:00

A menudo el trash se nutre de las más inmundas muestras de la cultura de masas para elaborar sus productos. El resultado evidencia muchas veces que hay algo altamente disfrutable en lo que las presuntas élites intelectuales desprecian como infecto.

El universo youtube está favoreciendo la proliferación de videos de corte doméstico que abundan en estas historias. El trash campa a sus anchas en youtube con mayor o menor fortuna.

La gente de krokys está desarrollando a través de su web y de youtubes varios lo que ellos (o algún otro) ha definido como playback art, es decir, videos ultracutres en los que aparecen ambos integrantes perpetrando playbacks, en su mayoría, de canciones disco, dance o así.

No es precisamente esta vertiente musical la que más nos gusta, preferimos mil veces Drogadicta, casi un youtube viral, en el que fagocitan un incendiado fragmento de culebrón para practicar una vez más el playback art.

ANDY CREÓ LA ACTITUD

2007-04-20T16:51:00.000+02:00

Andy Warhol fue quien creó la Actitud. Antes de Warhol, en los círculos artísticos, existía la Ideología: se tomaba una posición ante la estupidez de la vida americana. Andy Warhol le dio vueltas a todo aquello y creó una actitud. Y la actitud era: Es tan terrible, que es maravilloso. Es tan vulgar, que vamos a revolcarnos en ello. Eso todavía te colocaba por encima de ello, porque era una actitud muy consciente. Te colocaba por encima de la estupidez de la vida americana, pero al mismo tiempo podías disfrutar de ella.

(Tom Wolfe, citado en Warhol, la biografía, de Victor Bockris, Ed. Arias Montano.)

WONDER WOMAN Y LO CAMP

2007-04-18T12:22:00.000+02:00

Starring Lynda Carter as Wonder Woman

No es un modo natural de sensibilidad, suponiendo que tal cosa exista. Es más, la esencia de lo camp es el amor a lo no natural: al artificio y la exageración. Y lo camp es esotérico: tiene algo de código privado, de símbolo de identidad incluso, entre pequeños círculos urbanos.

Son palabras de Susan Sontag extraídas de su fundacional artículo Notas sobre lo camp (1964). Y, de entre las muchas distinciones que hace de este fenómeno, destacamos la diferenciación que establece entre lo camp ingenuo y lo deliberadamente camp. Sobre el primer tipo dice: En lo camp ingenuo, o puro, el elemento esencial es la seriedad, una seriedad que fracasa. Desde luego, no toda seriedad que fracasa puede ser reivindicada como camp. Sólo aquella que contiene la mezcla adecuada de lo exagerado, lo fantástico, lo apasionado y lo ingenuo.

Todo esto nos viene a la cabeza por la explosión camp que vivimos el otro día cuando zapeando de madrugada tropezamos con el capítulo piloto de Wonder Woman. Algo tan sensacional, colorista e ingenuo parece cosa del pasado.

¡ZAS! ¡BOOM! ¡CRASH!

A partir de los años sesenta, cuando empieza a hablarse sobre lo camp, se pueden ver en televisión series cien por cien camp como Batman (1966-68) o como Wonder Woman (1976-1979). Es un periodo fértil para este tipo de experiencias y de hecho parece que a medida que nos acercamos al siglo XXI lo camp pierde su pureza e ingenuidad. Por ejemplo, no podemos hablar de la Troma como algo camp: sus películas no son camp, sino que juegan a ser camp. Y eso no cuenta.

Nos cuesta creer que sigan produciéndose manifestaciones de lo camp tan candorosas y modélicas como las que despliega Wonder Woman con su lazo mágico y su estrafalaria transformación de gris oficinista en la Mujer Maravilla (no perderse el youtube de ahí abajo). Aunque esto no significa necesariamente que lo camp esté en extinción o desuso. Por un lado, ya advertía Susan Sontag que el canon del camp puede cambiar, depende en gran medida del tiempo, del paso del tiempo. Cosas que hoy no sabemos cómo catalogar nos parecerán camp dentro de treinta años.

El polígrafo dice que... es camp

Porque, en última instancia, el camp no es una moda pasajera, es una sensibilidad, una manera de ver las cosas, quizá sea el invento o subterfugio de un intelectual para gozar sin complejos de los grandes momentos que la cultura popular guarda en su trastienda, o quizá es simplemente el cosquilleo que sentimos cuando vemos a Lynda Carter dar vueltas sobre sí misma al ralentí, en plena trashformación en Wonder Woman, con su ropa de oficinista en una percha, suspendida en su antebrazo. Eso sí es camp del bueno.

Notas sobre sobre lo camp está incluído en el libro de Susan Sontag Contra la interpretación, editado en España por Ed. Alfaguara.

TALKING HEADS: 77

2007-04-16T20:16:00.000+02:00

Pues eso, 77 es el año en el que Talking Heads publican su primer disco, titulado, precisamente, 77. Una fecha grata en la memoria de muchos por ser también el año en el que George Lucas rodó y estrenó La guerra de las galaxias.

Realmente los Talking Heads llevaban tocando juntos desde el año 1974, en una primera formación del grupo, compuesta por David Byrne, Tina Weymouth y Chris Frantz, a los que se sumó dos años más tarde un Jerry Harrison recién salido de los Modern Lovers, grupo liderado por un jovencísimo Jonathan Richman.

Talking Heads: 77 es un disco muy representativo de lo que se dio en llamar new wave, de inspiradas melodías construidas sobre un sencillo pero vitamínico acompañamiento musical a base de guitarra, bajo, batería y teclados que incorporaba unas letras irónicas de regusto arty escupidas por el neurótico de David Byrne, principal cabeza pensante del grupo.

Eran los tiempos de la new wave, de los conciertos en el CBGB, del punk y de los primeros Ramones.

El legado de Talking Heads suma un total de ocho discos imprescindibles que han dejado huella en toda una generación de nuevos grupos, entre los que podemos contar a los Clap Your Hands, Say Yeah!, a los Franz Ferdinand o a los Arcade Fire. Aunque por momentos nos da la impresión de que se trata de un grupo tan citado como poco escuchado por los seguidores de todos estos artistas.

David Byrne, Tina Weymouth, Chris Frantz y Jerry Harrison en el 77

Nosotros anotamos el dato de que han pasado ya treinta años desde aquel 77 y aprovechamos para colgar un youtube que resume numerosas interpretaciones del Psycho Killer en una sola, aportando imágenes de aquellos años y rescatando del olvido versos inéditos de una letra parida por el David Byrne más enloquecido.

I cant seem to face up to the facts
I'm tense and nervous and i
Cant relax
I cant sleep cause my beds on fire
Dont touch me Im a real live wire

Psycho killer
Quest que cest
Fa fa fa fa fa fa fa fa fa far better
Run run run run run run run away

UN ÁNGEL LLAMADO ZOË LUND

2007-04-13T16:35:00.000+02:00

La sonrisa de Zoë Lund

El dieciséis de abril de 1999 moría en París Zoë Lund. Conocida por los amantes del cine de Abel Ferrara por estar vinculada a dos de las mejores películas de éste, Ángel de venganza (Ms. 45, 1981), donde interpreta a Thana, la bella protagonista sordomuda, y Bad Lieutenant (1992), cuyo desquiciado guión escribió de su puño y letra .

Zoë Lund, nacida en la ciudad de Nueva York el nueve de febrero de 1962, también conocida como Zoë Tamerlis o Zoë Tamerlaine tuvo una de esas vidas que pide a gritos una biografía.

Años 80

Siempre comprometida con su entorno, ya en sus años de estudiante participa en actos revolucionarios del movimiento estudiantil. A los diecisiete años, trabaja como asistente de Edouard Yves de Laurot, realizador con un agitado historial revolucionario que se remonta hasta finales de la década de los cuarenta en Varsovia, Polonia.

Ángel de venganza, 1981

Especialmente dotada para la composición musical, Zoë decide dejar de lado esta pasión en beneficio del cine, un medio en el que ve muchas posibilidades. Pese a sus múltiples talentos e inquietudes, así como su desarmante belleza, Zoë jamás se planteó seriamente la posibilidad de ser actriz. Sin embargo, en 1981, con dieciocho años recién cumplidos, acepta el papel protagonista de Ángel de venganza, una sucia cinta de violación y venganza, en la que Zoë interpreta a un verdadero ángel de conmovedora pureza, sordomuda para más señas, que será brutalmente violada dos veces en el curso de un mismo día, con la consiguiente transformación de ángel puro en ángel vengador enfundado en medias de rejilla y portador de un revólver del calibre 45. Una película ciertamente shocking, muy celebrada por las feministas de la época y que Zoë entendía, no ya como una metáfora de la lucha de la mujer contra la sociedad patriarcal en la que vive, sino como una experiencia de liberación del individuo frente a la opresión que le rodea.

Como Thana en Ángel de Venganza

A pesar de las bondades de su interpretación de la sordomuda Thana, la carrera como actriz de Zoë no acaba de despegar porque ella misma es un personaje disperso, inquieto, hedonista y con tendencia a no rematar los proyectos que se trae entre manos. De hecho, a finales de los ochenta, deja de lado su carrera como modelo y actriz y se centra en la escritura.

Como modelo profesional

No deja de sorprendernos que esa bella muñeca de apariencia frágil, de grandes ojos y carnosos labios, sea la responsable del guión del Bad Lieutenant de Abel Ferrara, verdadero descenso a los infiernos, en su modalidad de caída libre, en la que Harvey Keitel interpreta a un teniente de policía de lo peor, yonqui perdido, asesino, chantajista, mal padre, capaz de cascarse un pajote encima de un par de chicas a las que ha pillado sin carnet de conducir, con un sentimiento de culpa más grande que la deuda del tercer mundo y condenado a adentrarse irremediablemente en la oscuridad del túnel.

En serio, no puedo más

Pues sí, todo esto es obra de Zoë, la cual, por cierto, aparece en un momento de la película como camella de Harvey Keitel, al que tiene el detalle de administrarle un pico con sus delicadas manos.

De fiesta con Robert Lund, 1986

Las drogas son un capítulo importantísimo en la vida de Zoë. Le gustaba decir que la heroína era la droga que ella había escogido y defendía firmemente su poder como herramienta de autoconocimiento y descubrimiento interior. Paralelamente a su afición por las sustancias ilegales, siempre mantuvo una actitud contestataria con las medidas empleadas por el gobierno, a quien no dudó en criticar activamente en sus intentos por controlar el tráfico de drogas y la distribución de jeringuillas, así como condenaba también el nulo compromiso social de muchos de los que se hacían llamar izquierdistas o liberales.

Carta al New York Times

En 1996 aparece en un reportaje del periodista Geraldo Rivera titulado Heroin, en calidad de experta en los barrios bajos. A raíz de la grabación del reportaje conoce a un chico con el que huye a París en febrero de 1997, recién divorciada de su primer marido Robert Lund. Una vez allí, Zoë, una yonqui de largo recorrido, sustituye la heroína por la cocaína y se centra de nuevo en la escritura. En su haber cuenta con varias novelas inéditas y numerosos textos sobre los diversos temas que le interesan. También trabaja en un nuevo guión sobre la no menos turbulenta vida de Gia Carangi, la primera de las supermodelos que conocemos hoy, fallecida en el año 86 a la tierna edad de veintiséis años. En esas estaba Zoë cuando le sobrevino su propia muerte un dieciséis de abril de 1999 como consecuencia de un fallo cardíaco propiciado, a su vez, por un sostenido abuso de cocaína. Tenía treinta y siete años y había dejado un bonito cadáver.

Todo lo que aquí se ha contado aparece registrado en zoelund.com, una completísima web sobre la figura de Zoë elaborada por Robert Lund, su primer marido y siempre fiel compañero, desde la más sincera admiración por su vida y obra. Una labor importantísima que intenta organizar, recopilar y sacar a la luz pública muchos de sus trabajos, ya sea como escritora, modelo, actriz, activista o musa. Tarea nada fácil si nos atenemos a la cantidad de campos que intentó explorar, lo errante de su existencia y el carácter inédito de muchos de sus trabajos.

Cartel alternativo de Ángel de venganza

De alguna manera, a uno le queda la impresión de que Zoë merece un mayor reconocimiento, de que Zoë merece permanecer en nuestras mentes como algo más que un ángel de venganza más del exploitation, pero, por otro lado, uno también comprende que Zoë jamás fue uno de esos personajes con maneras de superestrella o supermodelo. Ella siempre hizo lo que quiso, no lo que se suponía que debía hacer. Se podría decir que se quedó a medio camino de algo, pero nos damos cuenta de que ella nunca quiso recorrer un sólo camino, sino muchos de ellos, y lo hizo. Y eso, se mire como se mire, es un triunfo.

Para terminar, una palabras de la propia Zoë, escritas a mediados de los noventa, haciendo balance de una vida que vale por dos o tres.

En Houston Street, NYC, 1997

He tenido una vida compleja y un tanto extraña. He experimentado ambos extremos, una seguridad monástica y una vida llena de peligros, el gozo creativo y el fervor por una actividad política extremista, la promiscuidad hippy y una castidad disciplinada, el anonimato y la fama, el underground y los bajos fondos, la prisión y la libertad, la vida en la calle y un entorno aristocrático. Supongo que soy una extremista (en Francia, me llaman Saint-Demon), aunque el día a día me recuerda que los polos opuestos deben de estar más cerca de lo que parece, y no puedo evitar recrearme en el placer de estos momentos de síntesis. Estoy muy agradecida por todo lo que ha ocurrido y aunque me encuentro algo más establecida, esto aún no se ha acabado. Y, a través de todo ello, voy escribiendo cada día.

FUENTES: zoelund.com Wikipedia IMDB

SOBRE LO NUEVO DE POLYPHONIC SPREE

2007-04-12T01:46:00.000+02:00

Together, we're heavy

No, estos de aquí arriba no son los ochenta y ocho maníacos de Kill Bill, son unos veinte miembros de Polyphonic Spree y según cuentan en su blog será el próximo mes de junio cuando podamos escuchar por fin las doce canciones de The Fragile Army, su tercer disco. Nuevo álbum en el que llevan trabajando años, lustros (imposible saberlo), y creador de una lógica expectación entre sus seguidores, ansiosos de sumarse a los gloriosos coros y apoteósicas celebraciones musicales de esta panda de iluminados.

De momento, podemos escuchar alguna canción nueva (Mental Cabaret) en su myspace y también podemos ver aquí abajo una versión en directo de otra de las doce canciones de The Fragile Army, Running Away, filmada durante el concierto que dieron en Austin, Texas, el pasado mes de marzo.

POSTERS DE ANIMALITOS

2007-04-08T14:36:00.001+02:00

1943, Edward Dmytryk

No nos engañemos, el hombre siempre ha temido a la naturaleza, un miedo ancestral que ha sido gozosamente aprovechado por el exploitation cinema desde siempre.

Hace unos meses, posterwire hizo un cachondo repaso de los carteles que este subgénero ha dedicado a la fauna más variada: arañas, osos, cocodrilos, gorilas, serpientes, pulpos, ratoncitos, abejas, ¡hasta cerdos! ¡Y esto sólo es un 1%! Hemos dejado fuera murciélagos, gatos, perros, lobos, gusanos, dinosarios, ranas, pirañas, pajaritos, hombres, mujeres, tintoreras, tiburones, serpientes voladoras, tigres, leones (todos quieren ser los campeones), criaturas de otros planetas, etc. Nótese que en el exploitation los animalitos siempre lucen mejor y más grandes en el poster que en la película.

1955, Jack Arnold

1959, Edward Bernds

1972, Phil Karlson

1972, Marc Lawrence

1973, Bernard L. Kowalski

1976, William Girdler & David Sheldon

1977, Bert I. Gordon

1978, Alfredo Zacarías

1977, Ovidio G. Assonitis

1980, Lewis Teague

1981, Sompote Sands

Más posters de animalitos y demás fauna en posterwire.

TÍTULOS DE CRÉDITO

2007-04-05T17:11:00.000+02:00

1941, Walter Lang

ShillPages es la web que el coleccionista cinematográfico Steven Hill dedica a sus fetiches favoritos de la cultura popular. Su colección de laserdiscs, dvds y cds convive con su sincero amor por Fay Wray, Dr. Who y todos los monstruos de la Universal.

1952, Raoul Walsh

1958, Jack Arnold

Dentro de los múltiples apartados de la web, nos quedamos con el que dedica a los títulos de crédito. Steven Hill lleva más de diez años recopilando capturas de aquellos fotogramas en los que aparece el título de cada una de las películas de su colección y de todas aquellas que pasan por sus manos. La virtudes de este exhaustivo catálogo en imparable crecimiento (usted puede aportar sus propias capturas) son numerosas. Por un lado, se agradece la desprejuiciada selección de títulos, una variada recopilación que no le hace ascos ni a la serie A, ni a la B, ni a la Z y que lo mismo se ocupa de una de Abbot y Costello, que de un blockbuster, que de una olvidada película de Wes Craven, cosa que Shoot Them Daddy! siempre valora y agradece.

1958, Irvin S. Yeaworth Jr.

1967, Jacques Tati

Otra de las virtudes es su rigor a la hora de catalogar cada una de las capturas, aportando información básica (año, director) y técnica (soporte y formato) de cada una de ellas. Eso sí, lamentablemente, no proporciona ningún dato sobre la autoría de los títulos y eso que sabemos que los grandes del oficio como Saul Bass, Pablo Ferro o Kyle Cooper no están solos y que antes que ellos hubo muchos otros cuyo nombre se perdió en la noche de los tiempos.

1974, Sidney Lumet

1976, Alfred Hitchcock

Destaquemos dos cosas como conclusión. Una, la riqueza de estilos, colores y formas de los títulos de crédito, en función del año, género y tipo de producción y dos, el evidente carácter de fetiche pop de cada uno de estos fotogramas, incluso así, sacados de contexto y por encima de cualquier opinión que usted pueda tener sobre la película.

2002, Lucky McKee

2002, Paul Thomas Anderson

Nota: Todas las imágenes han sido extraídas de ShillPages.

MARÍA PADILLA: MY VERY BIG PIG

2007-04-02T15:32:00.000+02:00

Encuentro casual con María Padilla (Foto: Stanley Sunday ©)

Más de veinte años en el mundo de la música y una versatilidad sin límites avalan la trayectoria de nuestra frontwoman favorita del mundo del rocanrol: María Padilla. Esta belleza rubia sabe muy bien qué significa tener actitud en un escenario, el torbellino Padilla micro en mano es algo así como "hola hijos de puta, mis colegas y yo vamos a pasar un buen rato", 100% actitud, 0% impostura. Curtida en el jazz en grupos como So What?, en el trash metal en su intenso periplo con los recordados Madnoise y actualmente sumida en una explosión de soul salvaje en la superbanda Miss Black Emotion, a María Padilla aún le queda tiempo para sacarse de la manga un buen puñado de canciones propias, soberbias, maduradas lentamente a lo largo de los años y recogidas en un disco que lamentablemente para el mundo entero permanece inédito.

Con Miss Black Emotion

My very big pig es una de esas grandes canciones, sencillas, efectivas, nacidas sobre una tabla de planchar o sobre el mármol de la cocina, junto a los cacharros sucios, paridas con urgencia en un entorno doméstico por pura necesidad física, a medio camino entre el blues y el rocanrol. Una visceral declaración de amor por la música y una suerte de manual de supervivencia guitarra en ristre.

Aquí abajo está el videoclip de My very big pig, obra del artista Stanley Sunday a.k.a Davidson a.k.a David Domingo y localizable en su youtube.
Rodado en Súper8 en los estudios Pinewood particulares de Stanley Sunday, también conocidos como los estudios de la habitación del fondo, el videoclip proporciona una mágica comunión entre música e imágenes, un claro gusto por la estética lofi del auténtico rocanrol y, una vez más, la prueba definitiva de que María Padilla es una verdadera Superstar. ¡Rock 'n roll, motherfuckers!

Artista: María Padilla
Canción: My very big pig
Autor del videoclip: David Domingo
Duración: 2' 13''

DIEZ COSAS SOBRE UDO KIER

2007-03-30T01:45:00.000+02:00

De joven, claro

1. Udo Kier nace en Colonia, Alemania, en 1944, durante la Segunda Guerra Mundial, mientras arrecian bombas desde los cielos.

2. A los dieciocho años se marcha a Gran Bretaña con la excusa de aprender inglés e interpretación.

3. Curiosamente, su primer papel será el de gigoló en un cortometraje titulado Road to Saint Tropez (1966). Está claro que los mundos de Udo nunca serán ordinarios, su rostro de vampiro centroeuropeo con porte aristocrático le marca desde el principio.

Dos fotogramas, una carrera

4. En la Wikipedia se menciona que en sus inicios fue amante y protegido de Rainer Werner Fassbinder.

5. Su primer éxito: Las torturas de la inquisición (Mark of the Devil, 1970). Película marcada con una V por violenta. Junto con la entrada se ofrecía una bolsa para depositar el vómito. La película fue prohibida en treinta y un países y originó un importante fenómeno exploitation con sus numerosas secuelas e imitaciones. Udo no repitió.

Vomit Bag, si la necesita, úsela

6. A primeros de los setenta conoce a Paul Morrissey en un vuelo, éste le ofrece protagonizar Andy Warhol' s Flesh for Frankenstein (1973), rodada en 3 - D. La película es clasificada X.

Dallesandro y Udo en Carne para Frankenstein, ¡por fin juntos!

7. Aparece en todas las películas de su gran amigo Lars Von Trier desde 1987, con la excepción de Los idiotas (1996). De hecho es uno de los protagonistas de Dimension, película cuyo rodaje se prolonga a lo largo de treinta años, desde 1991, a razón de tres minutos por año. La premiere mundial de Dimension está prevista para 2024.

Follando con River y Keanu en My own private Idaho, un polvo estático

8. Ha trabajado también con directores como Gus Van Sant, Walerian Borowczyk o Dario Argento.

9. Según IMDB aparece en ciento ochenta y tres películas. En la mayoría de ellas interpreta villanos, vampiros y otros seres de la noche. Adora el cine de terror.

10. Sus fans lo miman y Udo les corresponde. De visita obligada es su web oficial y la que elaboran sus fans.

Échele un vistazo, ¡oiga!

Fuentes: Udo Kier Fans IMDB Wikipedia

ADAM GREEN: DANCE WITH ME

2007-03-28T01:13:00.000+02:00

Tras las greñas: Adam Green

De haber tenido algún talento para la música nos hubiera gustado ser algo así como Jonathan Richman o Adam Green, uno de sus alumnos aventajados. Bonitas melodías, amor por el rocanrol y universos propios. Hoy nos quedamos con Dance with me, una de las grandes canciones del Adam Green post-Moldy Peaches, localizable su inspiradísimo debut en solitario, Garfield. Corría el año 2002 y Adam tenía veintiún tiernos añitos.

¡Dentro vídeo!

Canción: Dance With me
Álbum: Garfield, 2002
Duración: 3' 36''

UN DÍA EN LA VIDA DE ANDY WARHOL

2007-03-25T13:34:00.000+02:00

Vivimos bajo el mismo techo

Extraído de:
Andy Warhol, Diarios; Ed. Anagrama, Panorama de narrativas, 1990

Viernes 25 de marzo, 1983

Se presentó en la oficina la princesa Pignatelli. Su marido tiene 200 fotos mías y quiere que se las firme. Hablé con él por teléfono y era como hablar con una pared. Le dije: "Las fotografías son suyas, ¿por qué quiere que las firme yo?" Y él dijo: "Pero sale usted", y yo le contesté: "Pero son sus fotografías." Doscientas fotos. Lo dejamos así.
Estaba también Ina Ginsburg con su hijo Mark. Quiere que le repita los retratos y que, entre otras cosas, le cambie el color del pelo. Mark me llevó aparte y me dijo: "Es porque le recuerda al campo de concentración. No quiere pensar en sí misma como una persona de pelo castaño".
Decidí ir a ver Rebeldes. La acababan de estrenar y me encantó. Era como ver Lonesome Cowboys. Era increíble. Chicos jóvenes con el pelo teñido leyendo poesía a la puesta de sol, tipo Sal Mineo. Están escondidos en una vieja iglesia y el chico dice: "Lo único que quiero que hagas por mí es que me leas en voz alta Lo que el viento se llevó." Todos son muy monos. Y una música muy sensiblera sonando de fondo, como si los chicos se fueran a besar. Todo estaba cortado y no tenía sentido. Era como ver fotos de Bruce Weber. Todos los chicos eran de una belleza despampanante.

Marky Mark visto por Bruce Weber (Interview, Feb. 92)

TRASH POSTERS

2007-03-22T20:39:00.000+01:00

En vista de las dificultades planteadas a la hora de definir el trash, una buena manera de aproximarse a la esencia del concepto es echarle un vistazo a este libro de aquí abajo, titulado TRASH: The Graphic Genius of Xploitation Movie Posters obra de Jacques Boyreau y publicado por Chronicle Books-San Francisco.

TRASH: The Graphic Genius of Xploitation Movie Posters, 2002

Sus páginas proporcionan placer visual y categorizan en diversas secciones una selección de lo más granado del diseño de carteles de las así llamadas Xploitation Movies, películas de épocas ya pasadas, a medio camino entre los autocines y el mainstream, en un amplio abanico donde puede convivir una del tandem Clint Eastwood-Sondra Locke con experiencias 100% camp como ésta.

Hell's Belles, 1969 (Sex Trash)

War Goddess, 1972 (Action Trash)

Cuatro moscas sobre terciopelo gris, 1972 (Horror Trash)

Las diferentes secciones del libro son estas: Sex Trash, Action Trash, Horror Trash, Groovy Trash, Race Trash y Docu Trash. La sección Groovy Trash se ocupa de la explosión psiquedélica vivida en los 60 y 70, mientras que en la categoría Race Trash, de evidente componente racial, conviven coloridas muestras del Blaxploitation más conocido con algunos hitos del Whitesploitation, término usado por Jacques Boyreau para referirse a títulos de la época como Deliverance, Perros de paja o cualquiera de Burt Reynolds. Según nos cuenta Boyreau, el Blaxploitation viene a suponer una fantasía afro sobre hacerse con el control, convertirse en el puto amo y repartir leña, mientras que el Whitesploitation sería todo lo contrario, la pesadilla de un hombre blanco que pierde todo el control en un medio manifiestamente hostil.

Cleopatra Jones and the Casino of Gold, 1975 (Race Trash)

The people next door, 1970 (Groovy Trash)

En cualquier caso son sólo etiquetas, lo que importa de verdad es la deslumbrante muestra de imaginación y talento gráfico que recoge el libro. Un talento desbocado, sexy, delirante, divertido, con cierto aroma kitsch, camp o trash, a menudo arrebatador, que el autor del libro contrapone al adocenamiento actual del arte del cartel de cine, sometido a las imposiciones de una industria rígida y previsible que más que innovar estandariza.

TRASH: The Graphic Genius of Xploitation Movie Posters nos remite a un arte de otras épocas, ya lejanas, años en los que el cine (de la A a la Z) aún podía proporcionar fetiches a sus seguidores, días en los que aún conservaba ese poder, poder que en estos tiempos día nos parece prácticamente impensable.

World Whithout Shame, 1961 (Docu Trash)

+ Info: cómprese TRASH: The Graphic Genius of Xploitation Movie Posters aquí mismo.

ESA CLASE DE FIESTAS

2007-03-19T18:25:00.000+01:00

Una semana horrorosa para Holly Woodlawn. Quizá se vuelva a Miami.

PHANTOMPALOOZA 2.5

2007-03-14T02:14:00.000+01:00

El próximo 28 de abril se celebra en la ciudad canadiense de Winnipeg el Phantompalooza 2.5, un festival dedicado íntegramente a una de las películas que más han calado en la conciencia colectiva de sus habitantes, El fantasma del paraíso (1974).

Aunque la película de Brian De Palma es una de esas cult-movies que cuenta con cientos de miles de fans repartidos a lo largo del ancho mundo, su estreno fue calamitoso. Por lo general, los espectadores de la época no supieron disfrutar de esta alocada e imaginativa epopeya musical, tan solo ciudades como París o la mencionada Winnipeg se rindieron a la magia de las canciones de Paul Williams, a la electrizante voz de Jessica Harper, al histrionismo glam de Gerrit Graham y al macabro escalofrío que recorre toda la función.

Cómprese el casco del fantasma en Japón, sólo por tiempo limitado

Los habitantes de Winnipeg convirtieron El fantasma del paraíso en un auténtico fenómeno popular. Lejos de sufrir un descalabro en taquilla, la película arrasó en sus primeros días y se mantuvo la friolera de sesenta y dos semanas en cartel. Treinta años después, los vecinos siguen acordándose de ella y uno puede imaginarlos parados en un semáforo mientras entonan con el mayor sentimiento el Old Souls en versión de la gran Jessica Harper. Si es que dan ganas de irse a vivir allí, de verdad.

Kit de un fan

El amor de Winnipeg por la película y el imparable culto que le rinden las nuevas generaciones ha hecho posible el Phantompalooza. El año pasado se celebró en esa misma ciudad el Phantompalooza 2, sincero y conmovedor homenaje bendecido por la presencia del gran Paul Williams (tan pequeñito y tan grande), el fantasma William Finley y nuestra venerada Phoenix/Jessica Harper.

Paul Williams: por el camino de Swan

No sabemos si este año repetirán todos ellos en esta nueva edición 2.5, para ello conviene suscribirse a las Phantompalooza News. Si pudiésemos costearnos un billete al lejano Canadá, allá que nos íbamos, de momento nos conformamos con un aperitivo vía youtube de lo que allí aconteció el año pasado. Es la grabación más decente que hemos encontrado de Old Souls, interpretada en directo por Jessica y con la presencia de Paul Williams al final de su actuación, un fragmento de apenas minuto y medio y, sin embargo, todo un manjar para el verdadero fan.

+ Info:
Phantompalooza en youtube Swan Archives Paul Williams Connection

SCORPIO RISING REVISITED

2007-03-10T17:01:00.000+01:00

Scorpio Rising: A film by Kenneth Anger

Actitud Scorpio Rising

El 18 de marzo termina la expo THAT'S NOT ENTERTAINMENT! en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), centrada en la labor subversivo-cinematográfica de gentes como Joseph Cornell, Stan Brakhage, Guy Debord, Mathias Müller, Carles Santos, José Antonio Sistiaga, Jean Genet, Kenneth Anger y largo etc.

Créanlo, esto no es Scorpio rising

La exposición es altamente recomendable pero sólo le quedan dos telediarios. Si la sacamos a colación a estas alturas es porque nos sirve como excusa para colgar la sensacional promo de la muestra, obra de Luis Cerveró a.k.a Elsie Fuckhead, buen amigo de Shoot them daddy! y realizador cool donde los haya. Volveremos sobre él en futuras entradas. El spot mimetiza a la perfección varios momentos del SCORPIO RISING (1964) de Kenneth Anger y de verdad les decimos que tuvimos que verlo varias veces seguidas para convercernos de que no le había robado ningún plano al original. Divertido, sexy y underground, como dios manda.

GRAN SINCRONISMO

2007-03-07T00:28:00.000+01:00

Cuando hablamos de sincronía entre cine y música nos referimos a los sincronismos, a esto, a lo que ocurre cuando proyectas El Mago de Oz (1939) con el Dark side of the moon de Pink Floyd como único telón musical. Puedes provocar nuevas sensaciones al hallar uno de esos extraños matrimonios entre canciones y momentos cinematográficos dispares.

Son ellos, Juan y Mike, los Jumpers

Jugosa sincronía es la que fusiona una recordada escena de Las reglas del juego (2002) con la canción El suicidio mola de los JUMPERS. Un gran hit single del proyecto musical de la factoría cinematográfica KULOPEXI FILMS que ha encontrado la horma de su zapato en una película muy querida por Shoot Them Daddy! El resultado sorprende por la macabra relectura que propone de una canción festiva sobre un tema muy serio. Ejemplo práctico: compárese el sincronismo con el videoclip original de los propios JUMPERS.

Recomendada por Bret Easton Ellis

La sincronía ha sido descubierta en este caso por el perspicaz y algo hooligan Stanley Sunday, psiconauta confeso, amante de experiencias lisérgicas y fervoroso apostol de esta discutida Iglesia de los Sincronismos.

+ Jumpers en El hombre confuso

CON AMOR A KENNETH

2007-03-03T16:04:00.000+01:00

Poster de Ken aparecido en Kinokaze

Somos varios los que nos quedamos con la expresión "plantar un pino" en esa delicia escatológica y sexológica que es LOS SEXOADICTOS de John Waters. Pero aparte de esos pinos están los pinos de toda la vida, esos árboles que retrató Ottorino Resphigui en su pieza PINI DI ROMA. Música tan sinfónica es la que utilizaron Kenneth Anger en FIREWORKS (1947) y Bruce Conner en A MOVIE (1958). Todavía queda lejos el uso de música pop por la que es tan recordado Kenneth. Pero estamos en 1947 y también es música popular I PINI DELLA VIA APPIA, pues a la gente le gustan mucho las fanfarrias, e igual de irónico su uso con sus pomposos compases mientras el árbol de navidad avanza majestuoso hasta la hoguera. Es quizás este momento uno de los mas preciosos de toda la historia del cine y como dice el propio Anger "todo lo que tengo que decir sobre la navidad"

Soy árbol y a la hoguera me voy.

Los fans de Kenneth Anger estaban que se subían por las paredes, pues Fantoma (la casa editora del dvd) llevaba anunciando "coming soon" desde la primavera del 2003, y el foro con más actividad sobre las cosas de Ken estaba que ardía, antes de que el spam acabase con él. Así que ahora, por fin, después de tantos años esperando, tenemos el dvd de Kenneth Anger. Es el primer volumen, e incluye FIREWORKS, PUCE MOMENT, EAUX D'ARTFICE e INAUGURATION OF THE PLEASURE DOME. Han restaurado las mejores copias disponibles y el propio Ken comenta cada una de sus películas. Aquí puedes ver el trailer del dvd de Kenneth Anger en HD 480p.

¡Ya era hora!

Como no llueve a gusto de todos y Ken ha hecho versiones diferentes de cada una de sus películas a lo largo de los años, nos perdemos ver RABBIT'S MOON en la versión corta con la canción de Andy Arthur (del grupo A RAINCOAT) IT CAME IN THE NIGHT. Está canción ha sido el gran quebradero de cabeza de los fans de Ken, intentando averiguar durante años de donde había salido y de quién era, hasta que en Flickhead nos contaron toda la historia.

Y ¿qué hace Ken en la actualidad?

SEE YOU NEXT WEDNESDAY - A FILM BY JOHN LANDIS

2007-03-01T01:53:00.000+01:00

The Blues Brothers, 1980

Hay directores de cine cuyas manías son rastreables en todas o casi todas sus películas. Hablamos de pequeñas extravagancias, como la costumbre de Hitchcock de aparecer en sus películas o la manía de Berlanga de poner en boca de alguno de sus actores la palabra AUSTROHÚNGARO.

Nací en Chicago, como David Vandervelde

La manía particular de John Landis, incluir la cita SEE YOU NEXT WEDNESDAY en cada una de sus películas, se ha convertido en su propia marca de fábrica y ha generado un singular culto entre sus seguidores.

En Shoot Them Daddy! estamos muy a favor de John Landis porque es un tío cachondo y porque ha hecho películas como Un hombre lobo americano en Londres (1981), gansadas como The Kentucky Fried Movie (1977) o videoclips como el Thriller (1983) de Michael Jackson.

The Kentucky Fried Movie, 1977

SEE YOU NEXT WEDNESDAY fue el título de uno de los primeros guiones que escribió Landis. La expresión está sacada de una escena de 2001, una odisea del espacio (1968), del momento en el que finaliza la última conexión entre la tierra y la expedición. La mujer de Frank, uno de los pilotos, se despide así de su marido en el día de su cumpleaños, con el saludo SEE YOU NEXT WEDNESDAY, sin sospechar que ya no habrá un próximo miércoles, ni más conexiones con la tierra, ni más tartas de cumpleaños, Hal mediante.

(Inciso para la versión doblada al castellano: se pasan todo esto por el forro, lo han traducido como les ha salido de la chorra, no hay rastro de miércoles.)

Nos vemos el miércoles, cari, recuerdos a Hal

La sentencia SEE YOU NEXT WEDNESDAY suele aparecer en las películas de Landis de manera muy anecdótica, a menudo es el título de una película visible en la marquesina de un cine o bien la escuchamos de labios de algún personaje. Una de las películas que hace un uso más festivo y significativo del momento Te veo el miércoles es Un hombre lobo americano en Londres, una de cuyas secuencias finales se desarrolla en un cine que proyecta precisamente SEE YOU NEXT WEDNESDAY.

De hecho, uno de los carteles más cachondos soñados para esta película fantasma es el que aparece en Un hombre lobo americano en Londres, una pequeña broma que define indirectamente la concepción lúdica del cine de John Landis. SEE YOU NEXT WEDNESDAY es en este caso un porno del montón de explícito slogan: A NON-STOP ORGY. O lo que es lo mismo, NOS VEMOS EL MIÉRCOLES.

¡Una para SEE YOU NEXT WEDNESDAY!

+ Info: En la wikipedia hay una entrada dedicada a esta manía de John Landis, también hay blogs que buscan su inspiración en ella y recomendamos sobre todo este de aquí por lo riguroso y documentado, referencia primera para STD!

OTRA VEZ JOE

2007-02-26T01:34:00.000+01:00

Extraído de:
Andy Warhol, Diarios; Ed. Anagrama, Panorama de narrativas, 1990

Lunes 26 de febrero, 1979

Fui en taxi al Chembank (4$). Me pasé toda la tarde trabajando, pintando fondos de caras en la oficina. Joe Dallesandro llamó desde París. Me contó que se bebe una botella de whisky al día. Quería dinero. No sé qué vamos a hacer con Joe. Ya sabíamos que iba a llamar, porque el otro día vino Terry Dallesandro. Todavía vive en State Island. Iba maquillada y estaba muy guapa. Me dijo que Joe ya no le mandaba dinero. Me pregunto si estará viviendo de la beneficencia. No trajo al pequeño Joe, que estaba en el colegio. Ahora tiene ocho años. Ella sigue sin interesarse por nada. Dice que nunca ha cogido un libro y que no sabe hacer nada. Ni siquiera podría hacer de secretaria. Sólo estudió hasta primaria. Le pregunté qué le interesaba al pequeño Joey y me dijo (risas) que iba a clases de kárate.
Joe dijo que tenía una película "a tiro", pero lo mismo dijo la última vez. Ah, Terry nos contó que seis meses después de que Bobby habían crecido Bobby y Joe también se había suicidado.
Llamó Rupert. Los dos gemelos Du Pont se han ido a vivir con él a White Street.

CANCIÓN DEL MES EN STD!

2007-02-23T00:14:00.000+01:00

La canción del mes es obra de David Vandervelde y se llama Jacket. Cuesta creer que un chaval de veintidós años, nacido mientras los cines proyectaban Dentro del laberinto (1986), pueda componer una canción como Jacket, quedarse tan a gusto y resucitar durante cuatro minutos toda la gloria de Ziggy Stardust, de sus arañas de Marte y de sus colegas de T. Rex. La voz, las guitarras, los arreglos, el inconfudible sonido glam, todo.

No tenemos ni idea de cómo lo ha hecho, pero por lo que sabemos, llevaba años preparando las canciones de su primer disco, The Moonstation House Band (2007), lo cual nos lleva a pensar que empezó a componerlo mientras su madre le aplicaba el clearasil o algo así. Qué envidia.

Ahí abajo está el videoclip de Jacket, lo ha hecho un tal Iqbal Ahmed y qué quieren que les digamos, a nosotros nos hubiera gustado más con unas dosis de psiquedelia, pelucas, tacones, boas de pluma, polvo de estrellas, velvet goldmine,...

+ Vandervelde: DAVIDVANDERVELDEMYSPACE

UN RETRATO PARA NEIL SEDAKA

2007-02-21T00:05:00.000+01:00

Extraído de:
Andy Warhol, Diarios; Ed. Anagrama, Panorama de narrativas, 1990

Miércoles 21 de febrero, 1979

Antes de salir de la oficina, me llamó Mrs. Neil Sedaka y me invitó a una fiesta en honor de Neil, así que fui en taxi hacia allí (5$). Todo el mundo estaba emocionado de que yo fuese. Cuando vi a Neil, no pude evitarlo, precisamente porque me gusta le dije que estaba demasiado gordo para hacerle el retrato y que tenía que adelgazar. No puedo ni pensar en pintarlo tan gordo. Él me dijo que su imagen consistía en estar gordo, que a la gente le gustaba gordo, pero yo estoy seguro de que come demasiado. Él me dijo que sólo se había tomado tres vodkas. Quizá me pasé. Se supone que tengo que hacer su retrato la semana que viene.

Sí, ésta es mi queli

BIG BANG POP!

2007-02-19T00:48:00.000+01:00

Sencillamente, ¿qué es lo que hace los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?

En los cincuenta el mundo había sobrevivido a dos grandes guerras, pasados los rigores de la posguerra, el capitalismo y la cultura de masas se imponen como nuevas realidades. La publicidad proclama que la vida puede ser sexy y divertida. Los artistas son conscientes del fenómeno, los medios de comunicación provocan una gran explosión de cultura popular que se introduce en los salones de todos los hogares, ¿cómo va a permanecer el arte ajeno a algo así?

En esas andaba el artista británico Richard Hamilton cuando realizó (en colaboración con John McHale) la que se considera primera obra pop, generadora del cuño Pop Art, un pequeño collage de 26X25 cm., con el elocuente título de Sencillamente, ¿qué es lo que hace los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos? Estamos en 1956.

Fue un pistoletazo de salida para lo que los críticos definieron como Pop Art, gestado en el Reino Unido e instalado en USA a partir del año 61. El Pop Art dejó en la cuneta expresiones como neo-dadaísmo y propició declaraciones como las del propio Hamilton (deseo que el arte sea efímero, popular, barato, producido en serie, joven, ingenioso) o la típica y lacónica expresión de Andy: la razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina.

CARTELES DE CINE POLACOS

2007-02-16T12:30:00.000+01:00

De verdad, cada vez que vemos carteles de cine polacos nos quedamos patidifusos. ¿Cómo puede existir semejante abismo entre la iconografía cinematográfica de la mayoría de los países occidentales y la vieja Polonia? Dentro del arte de los carteles de cine, los diseñadores polacos van por libre.

Alfred Hitchcock, Los pájaros, 1963

Según nos cuenta la web especializada cinemaposter, la mayoría de escritores occidentales se limita a dar la opinión de que el particular caso polaco debe considerarse como un residuo comunista más, propio del momento político en el que se desarrolló. Sin tener en cuenta el hecho de que los artistas gráficos polacos se beneficiaban de estar completamente libres del yugo comercial y que, en consecuencia, podían permitirse renunciar por completo a los propios iconos, imágenes o frases publicitarias de las películas.

Henryk Tomaszewski, Tadeusz Trepkowski y Eryk Lipinski fueron los tres artistas pioneros contratados en 1946 por el Film Polski (monopolio estatal de distribución cinematográfica) para diseñar posters.

Walerian Borowczyk, Cuentos inmorales, 1974

A finales de los cuarenta, el clima político cambió y se introdujo el realismo social, desplazando el estandar acuñado durante esos años. En 1955 desaparece la policía stalinista y con ella, sus restricciones, esto provocará una explosión de talento que se mantendrá hasta 1965. Nuevos artistas desarrollan un nuevo espectro en el que cada uno opta por su propio estilo, ya sea más pop, más impresionista, más hermético, etc...

Desde mediados de los años setenta hasta mediados de los años ochenta se genera una atrofia que deja a los artistas sin ideas nuevas. En los ochenta, los pocos que quedan en la profesión se politizan y apenas hay diseñadores jóvenes que aporten aire fresco.

Richard Donner, La profecía, 1977

Finalmente, en 1990 termina el monopolio estatal sobre la distribución cinematográfica y ésta cae en manos privadas: Warner, Paramount, etc... El arte del cartel polaco que conocemos hasta entonces desaparece. Los cines polacos exhiben la misma publicidad vista en USA. Sólo algunos artistas continúan una labor que jamás será vista en las calles o en los cines, que se verá restringida a un ámbito de galerías y en series limitadas, de trescientos a quinientos ejemplares.

Hasta aquí lo que nos cuenta cinemaposter. Sin embargo, en esa misma web hemos encontrado buena muestra de trabajos realizados a partir de los años noventa, suponemos, en su faceta minoritaria para coleccionistas.

Gus Van Sant, My own private Idaho, 1991

La enorme sorpresa que nos sacude cada vez que vemos un nuevo cartel de cine polaco debemos buscarla en el radical alejamiento por parte de los diseñadores de la estética mayoritaria difundida por las grandes compañías de distribución norteamericanas y europeas, eso está claro. Y no queremos en entrar en debates, pero nos parece evidente que una manifestación tan singular de cultura pop, como es el caso del cartelismo cinematográfico polaco, sólo es imaginable en un lugar que ha tenido serios dimes y diretes con el capitalismo.

Pedro Almodóvar, La mala educación, 2004

+ Info: cinemaposter polishposter poster.com.pl

ESPÍRITU SHOOT THEM DADDY!

2007-02-13T18:55:00.000+01:00

Los ninjas mataron a mi familia. Necesito dinero para lecciones de kung-fú.

¡SHIPOOPI!

2007-02-10T13:25:00.000+01:00

Sabemos que la cultura pop se alimenta de sí misma, de hecho sabemos que algún día se devorará a sí misma. Cuando Tarantino hace hablar a sus personajes de Madonna, del McDonalds o del cine de kungfú lo está llevando al extremo. No es sólo que las películas de Tarantino funcionen en lo argumental como compendio, fagocitación, plagio o declaración de amor a décadas y décadas de cultura pop sino que tal ejercicio de vampirización de cultura popular aparece también en lo anecdótico.

Así pues, ¿de qué va Like a virgin?

Que los propios productos generados por la industria del entretenimiento hablen tan directamente de la propia cultura pop que los acoge equivale a transgredir una especie de cuarta pared pop. Antes se hacía abstracción de ella, existía pero no se mencionaba de una manera tan directa, ¿pensando quizá que podía distraer la atención del espectador? ¿que no venía a cuento? A ver, en El padrino se puede mencionar a Sinatra, pero sólo de pasada, Michael Corleone no va lanzar ningún speech sobre Strangers in the night o Summerwind.

Por eso las referencias directas, casi compulsivas a la cultura popular que aparecen sobre todo en series de animación como Los Simpson, South Park o Padre de familia nos dan mucho que pensar. ¿En qué momento se abrió la veda? ¿Hay un antes y un después?

Padre de familia es el ejemplo perfecto. En sí misma es una clara derivación de Los Simpsons, pero la cosa no acaba ahí, basa gran parte de su comicidad en las constantes referencias directas a temas propios de la cultura popular: Martha Stewart, Joey Triviani, James Woods, Oprah Winfrey, Lindsay Lohan, Mel Gibson, Indiana Jones, Star Wars, la tribu de los Brady, etc...

En el episodio nº 20 de la cuarta temporada, titulado Juego de patriotas, encontramos una buena muestra de lo que puede dar de sí este afán por regurgitar viejos pasajes de la cultura pop. Peter Griffin es contratado como jugador de futbol américano por un gran equipo, los Patriots. A Peter se le sube el pavo enseguida, hasta el punto de que para celebrar un touchdown monta un delirante momento musical al son de una vieja canción, Shipoopi, para la que recupera incluso la espectacular coreografía original.

Shipoopi fue compuesta en el año 1957 para el musical The music man. En principio es una ingenua canción de amor, pero su título y su estribillo la convirtieron en una de las melodías favoritas de los niños. El ridículo estribillo Shipoopi, puede entenderse como una contracción de shit+poopie, caca+caquita, en un escatológico juego de palabras que parece pensado para el mismísimo Peter Griffin.

Shipoopi!, Shipoopi!, Shipoopi!

Siendo rigurosos, el musical The music man ya fue parodiado antes en el episodio de Los Simpsons titulado Marge contra el monorraíl, pero francamente en Shoot Them Daddy! tenemos algo aborrecido el sutil y refinado humor de Los Simpsons y últimamente disfrutamos mucho más con el visceral y descerebrado humor de Peter Griffin y los suyos.

El momento Shipoopi de Padre de familia habla por sí mismo y es buena muestra del ingenio sin límite de los guionistas de la serie, pero sobre todo nos ayuda a comprender las posibilidades de una cultura pop que poco a poco sigue devorándose a sí misma.

+Info:
sobre Shipoopi
sobre Padre de familia

JONATHAN RICHMAN: I WAS DANCING IN THE LESBIAN BAR

2007-02-08T10:54:00.000+01:00

Sí, éste es mi estilo, camiseta a rayas

La instructiva semblanza sobre la obra del realizador Jem Cohen que hemos leído en VISIONARY FILM, nos ha hecho recordar uno de los videoclips que dirigió en el pasado, precisamente, para uno de nuestros artistas favoritos, Jonathan Richman.
La canción escogida fue I was dancing in the lesbian bar, incluida en el disco I, Jonathan (1992), uno de los pequeños éxitos del Jonathan Richman de los noventa. Visto ahora el videoclip, después de mucho tiempo sin revisarlo y tras pasar por VISIONARY FILM, nos parece muy clara la impronta Cohen, para nada reñida con la peculiar personalidad del músico. No diremos que está a la altura de otros videoclips de Jem Cohen como el celebrado Nightswimming de R.E.M, pero es que... ¡éste es de Jonathan!

In this bar things were lassez faire

Por nuestra parte, no nos vamos aventurar con una semblanza exhaustiva del ex-Modern Lovers, semejante cosa nos parece ahora mismo un trabajo monumental y, además, siempre hemos pensado que Jonathan se merece más bien una voluminosa tesis doctoral. Con un legado de casi cuatro décadas, un estilo propio, personal e instransferible que fluctúa entre el rocanrol de toda la vida, los guiños a la Velvet y un enternecedor gusto por lo cotidiano, banal, naiff o directamente marciano, Jonathan puede componer una canción como I'm a little dinosaur o Here come the martian martians y salir victorioso de la empresa.

Auténtico orfebre del rocanrol, de desarmante honestidad y con singular sentido del humor, a Jonathan Richman se le perdonan fácilmente sus excesos (como ese desmedido amor por hacer versiones en castellano de sus canciones, las portadas de sus discos, etc...), de ahí que jamás hayamos suscrito lo que dijo, en el pasado, un crítico sobre su persona, aquello de que Eddie Cochran hubiera preferido cortarse el tupé a seguir el camino emprendido por el emocionado Jonathan. Claramente, un mundo con un Jonathan Richman es mucho mejor que un mundo sin él.

Jonathan Richman
I WAS DANCING IN THE LESBIAN BAR
1996, 16mm., 3' 35''
Dirigido por Jem Cohen

ZADIE SMITH LO HA VUELTO A HACER

2007-02-05T19:56:00.000+01:00

Dientes blancos, 1999

Zadie Smith (Londres, 1975) se quedó bien a gusto cuando escribió Dientes blancos (Ed. Salamandra) con poco más de veinte años. No es que hubiese llegado la novela urbana definitiva sobre el Londres multicultural (un tema que en Shoot Them Daddy nos la trae al pairo), sino que esta mulata, de madre jamaicana y criada en un barrio obrero, había parido una de las grandes novelas del siglo.

Además estoy buena

Después de leer Sobre la belleza (Ed. Salamandra, 2006), su tercera novela, tenemos claro que esta chica tiene un don, un cráneo privilegiado para analizar nuestras miserias, no en vano ella misma se define como voyeur y, en su caso, esto es esencial. El divertido análisis de la naturaleza humana que traza en Sobre la belleza, es sutil y tronchante como un episodio de Seinfeld.

Bajo una apariencia amable, muy de los tiempos que vivimos, del buen rollo por el buen rollo, muy Máster-para-la-paz, Zadie Smith convierte el caleidoscópico retrato de las gentes de un campus universitario de Boston en una radiografía de lo que se esconde detrás de tanto buenrollismo: estupidez, falsas motivaciones, vanidad y una gran dosis de mezquindad. En este caso, la proximidad de la belleza puede hacerle perder los papeles a más de uno, y una vez más, al igual que en Dientes blancos, los personajes son incapaces de estar a la altura de las circunstancias.

Sobre la belleza, 2006

Con su segunda novela, El cazador de autógrafos (Ed. Salamandra, 2002), bajó muchos enteros, cosas de haber empezado su carrera con un Dientes blancos, pero ahora, a la tercera, Zadie Smith lo ha vuelto a hacer.

+ Info: entrevista con Zadie Smith

JAY BRANNAN Y SU SODA SHOP

2007-02-03T13:25:00.000+01:00

En la bio que aparece en su propia web, Jay Brannan dice que nació bajo una roca en las más altas cumbres del Himalaya y que fue recogido por unos monjes trapenses que le mostraron el secreto para mantener su temperatura corporal constante, sin necesidad de comida o ropa.

Nosotros hemos sabido de él por Shortbus (2006), donde interpreta a uno de los múltiples personajes que desfilan por esta jugosa sexperiencia fílmica que nos plantea su director, John Cameron Mitchell. En ella, una película donde realidad y ficción se confunden constantemente, Jay da muestra de sus diversos talentos, entre los que se cuenta su verdadera vocación, la de cantante.

Ahora voy a tocar Soda Shop

La canción que desgrana en Shortbus guitarra en ristre se llama Soda Shop y está incluida en la banda sonora de la película. Él mismo se ha confeccionado un perfil en youtube donde va colgando vídeos de sus canciones precedidos de una "pequeña" presentación. Afronta sus canciones con desnudez, sin presupuestos, sentado en la taza del váter, sin camiseta, siguiendo aquellos consejos aprendidos en las gélidas cumbres del Himalaya.

+ Info:
MySpace de Jay Brannan

JOE, SU HERMANO Y UN ACCIDENTE

2007-02-01T12:53:00.000+01:00

¿Hay algo más que quieras contarnos, Joe?

Extraído de:
Andy Warhol, Diarios; Ed. Anagrama, Panorama de narrativas, 1990

Martes 1 de febrero, 1977

Joe Dallesandro vino a comer al 860. Le pregunté cómo había muerto realmente su hermano Bobby y él rectificó la versión del "accidente" y contó lo que había ocurrido en realidad. Bobby se había colgado. Durante la comida, Joe estuvo silencioso.
Al fin me fui a dormir pronto por una vez. La gran noticia es la ola de frío. Y también las restricciones de gasolina que están aplicando.

DARIO ARGENTO CUMPLE SU PROMESA

2007-01-30T12:49:00.000+01:00

Dario en su salsa, rodaje de La Terza Madre

La red anda revuelta desde que se supo que Dario Argento, el último maestro vivo del cine de terror italiano, ha vuelto a encerrarse en un plató a sus sesenta y seis años. Y no es que el autor de Rojo oscuro (1975) llevase largos años alejado de las cámaras, más bien todo lo contrario. El comprensible revuelo que sacude a sus fans estos días se debe a que la película que rueda actualmente, La Terza Madre (La Tercera Madre) es la largamente prometida conclusión de la trilogía de Las tres madres, formada por Suspiria (1977) e Inferno (1980).

Para todos aquellos amantes del Argento puro, el que parió Suspiria, a saber, el del terror duro, histérico, brutal, operístico y de psiquedélica orgía cromática, la carrera de éste oscilaba últimamente entre lo correcto y lo aberrante. En la presente década nos ha regalado algún pálido reflejo de lo que fue (Non ho sonno (2001)), pero sobre todo nos ha dejado hundidos en la miseria con truños del calibre de Il Cartaio (2004) o el ridículo telefilm Ti piace Hitchcock? (2005). Sus efectivas aportaciones a la serie de televisión norteamericana Masters of horror, con dos episodios, Jenifer (2005) y Pieles (2006), mantienen con tímida incandescencia el fulgor de una época que ya pasó.

A Jessica Harper (izq.) le invade un profundo sentimiento de horror en Suspiria (1977)

O no. De ahí el revuelo de sus miles de ciberfans, entre los cuales nos incluimos. El pasado mes de octubre inició el rodaje en localizaciones de Roma y Turín de La Terza Madre a.k.a The Mother of Tears. La trilogía toma como punto de partida la leyenda de las tres brujas, Mater Suspiriarum, Mater Tenebrarum y Mater Lachrymarum, soñada por Thomas De Quincey en su Confesiones de un inglés comedor de opio (1822), adaptándolas a un entorno contemporáneo. El arranque de La Terza Madre nos presenta a su protagonista, Asia Argento, afrontando la reencarnación de las cenizas de la madre de las lágrimas y su consiguiente lucha por poner fin a su pozo de maldad infinita.

Dario Argento's Inferno, 1980

La pregunta que todos nos hacemos se la formuló a Dario Argento un reportero de Fangoria en el mismo set de rodaje: ¿Por qué ahora, después de todos estos años? Argento responde: Tuve una gran experiencia con Masters of horror. Me dejaron hacer todo lo que quería y semejante libertad creativa hizo que mi imaginación se desbordase como una botella de champán en erupción. Redescubrí la furia que albergaba mi alma, los sentimientos que tuve de joven cuando dirigí Suspiria. Este hecho, mis sueños y un torrente de obscena inconsciencia me llevó a visualizar un moderno cuento de hadas para nuestros confusos tiempos, lleno de sexo sadomasoquista y violencia espeluznante.

Desde luego Dario, tras escuchar tus palabras, rompemos una lanza a tu favor y renovamos nuestros votos de confianza. Si es que en verdad, nos gustan hasta tus fracasos más sonados, al fin y al cabo un Argento siempre será un Argento. Nos consumimos de impaciencia por ver esa Terza Madre y nos concentramos en el cosquilleo que nos produce saber que el maestro ha vuelto por la puerta grande.

+Info en darkdreams, web oficial de Dario Argento.

LA BIBLIA DE NEÓN DE ARCADE FIRE

2007-01-27T12:50:00.000+01:00

El próximo 6 de marzo estará en las tiendas Neon Bible, el esperadísimo segundo disco del grupo canadiense Arcade Fire. Cuando has hecho un disco como Funeral, es normal que se cree tantísima expectación con tu nuevo trabajo. Herederos privilegiados del mejor legado de grupos new wave como Talking Heads, los canadienses facturan intensas melodías, con brotes epilépticos a lo David Byrne y un exuberante acompañamiento musical (violines, acordeón, violonchelo, viola y largo etc.) beneficiado por las voces de los dos vocalistas, matrimonio para más señas, el también guitarra Win Butler y la estupenda Régine Chassagne.

El título de su nuevo disco, Neon Bible, posee claras reminiscencias del malogrado escritor estadounidense John Kennedy Toole y ya sabemos cómo suena, al menos, una de sus canciones, Black mirror. Si quieres disfrutarla sigue estas sencillas instrucciones.
Pincha aquí, en la web del grupo, luego pincha en Win, luego en Win's Scrapbook y ya por fin en Black Mirror (menú de la izquierda). Si te gusta el grupo, serás recompensado, de verdad de la buena.

GEORGE KUCHAR: WILD NIGHT IN RENO

2007-01-25T13:14:00.000+01:00

George Kuchar (New York City, 1942) es un director de cine conocido por su estética feísta, por su lúdico uso de actores sin talento, sus tramas sin trama. Formado como artista publicitario, dibujó mapas meteorológicos para telediarios locales.
Durante este periodo, él y su hermano gemelo Mike rodaron multitud de cortometrajes en súper 8 que fueron difundidos en el entonces emergente circuito del movimiento underground, junto a los trabajos de Andy Warhol, Kenneth Anger y Stan Brakhage.
Tras ser despedido de uno de sus trabajos publicitarios, Kuchar es invitado a formar parte del personal docente del San Francisco Art Institute, donde sigue impartiendo sus particulares clases desde 1971. Instalado en San Francisco empieza una importante labor en el campo de los comics underground vía sus nuevos vecinos, Art Spiegelman y Bill Griffith, quienes también empiezan a colaborar en sus películas.
(Texto extraído y traducido del inglés de la Wikipedia, the free encyclopedia).

Sí, la entrada correspondiente a George Kuchar en la Wikipedia se queda muy corta y deja fuera muchas cosas, pero nos sirve para ponernos en situación. Además nos gusta que nos aclare una obsesión muy presente en la larga carrera cinematográfica de George Kuchar: su desmedido interés por los fenómenos meteorológicos, enfatizando siempre su carácter de amenaza.

El corto que rescatamos hoy se llama Wild night in El Reno, rodado en 1977, un año después de A reason to live, una de sus grandes obras maestras.
En Wild night in El Reno, se aleja del desquiciado tono de melodrama hiperbólico practicado en muchos de sus trabajos y opta por documentar con ejemplar belleza plástica una serie de violentos episodios atmosféricos ocurridos en los alrededores de un motel de Oklahoma. Mientras que en el mencionado A reason to live, Kuchar utiliza las alusiones a tormentas, tornados y desastres naturales como premonición atmosférica de las propias catástrofes emocionales de los personajes, en Wild night in El Reno destierra la figura humana a los márgenes y se centra en la perturbadora belleza de rayos eléctricos, ventiscas y oscuras nubes tormentosas.

Dos opciones. Puedes ver Wild night in El Reno ahí abajo, vía youtube, o, mucho mejor, puedes descargártelo en formato avi aquí. Tan ricamente, oye.

WILD NIGHT IN EL RENO (1977).
Un corto de George Kuchar.
Formato: 16mm. Duración: 6'.

EMBLEMS: BANG BANG SHOOT 'EM DADDY

2007-01-23T12:12:00.000+01:00

Rama-la, DING DONG, Rama-la, DING DING DONG, Rama-la, lama, lama, lama, DING DONG. Es el extraño lenguaje del Doo-Wop, practicado por cientos de miles de grupos en los USA de los años cincuenta y sesenta. Grupos especializados en desarrollar increíbles armonías vocales ya fuese a capella o sobre un colchón de rock'n'roll. Los grupos Doo-Wop se bautizaban siempre como "Los... algo", por ejemplo, The Belmonts, The Blenders, The Bosstones, The Bobbettes, The Flamingos, The Fiestas y así hasta no acabar nunca, pincha aquí para hacerte una idea.

En este contexto, entre tantos vocal groups, están los Emblems, un oscurísimo grupo doo-wop del que sólo sabemos que grabó para Tip Top Records un puñado de canciones, de entre las que destaca especialmente una: Bang Bang Shoot 'Em Daddy, himno oficial de este blog e inspirador de su título. La primera vez que la escuchamos fue hace unos veinte años en el programa radiofónico Flor de Pasión. Así que gracias, Juan de Pablos.

M.WARD: CHINESE TRANSLATION

2007-01-21T13:43:00.000+01:00

Matt Ward empezó en esto de la música militando en grupos que desconocemos como Rodríguez, en el marco de la escena musical de la lejana Oregon (USA). En el año 2000 inicia una nueva etapa bajo el nombre de M.Ward y esto es ya un no parar de sacar discos, seis hasta la fecha. El último de ellos, Post-Ward (2006), ha sido elegido por multitud de webs y publicaciones como uno de los mejores discos de este año pasado. Razón no les falta, porque se trata de un disco iluminado por las musas de principio a fin, con melodías inspiradísimas, atmósferas envolventes, voz hipnótica y en definitiva con un puñado de canciones condenadas a perdurar por los siglos de los siglos.

A lo largo de su carrera, Ward ha colaborado con gente como Howe Gelb, Cat Power, Bright Eyes, Beth Orton, etc... Su música se incluye dentro de lo que se da en llamar americana (classic american music), vinculada a la tradición folk y sin descartar elementos del blues, country o de muchos otros.
Chinese Translation es una de las maravillas del disco, aunque su escucha no basta para hacerse una idea de la totalidad del conjunto. El vídeo es obra del artista y animador Joel Trussell en colaboración con Eric Johnson.

FILM POSTERS

2007-01-19T12:02:00.000+01:00

En Shoot them daddy estamos súper-a-favor del cartelismo cinematográfico, sobre todo si es vintage, kitsch, pop, trash, raro o abiertamente oscuro. En internet hay ocho millones de maneras de buscar este material y uno puede llegar a marearse. Después de mucho peinar, tenemos claro que impawards (Internet Movie Poster Awards) es de lo mejorcito que hay. La web es más fea que pegarle a un padre, pero su catálogo lo compensa casi todo, permite diversos tipos de búsqueda y resulta especialmente exhaustiva a partir de la década de los sesenta. El simpático slogan de impawards dice así: Where we honor the very best and the very worst achievements (past and present) in movie posters and bring you all the latest movie poster news.

Continuaremos rescatando material de ésta y otras fuentes a través de diversos especiales. Hoy nos quedamos con estas tres joyas, un extraño cartel de El fantasma del paraíso (1974), otro de Frogs (1972), la peli más aterradora jamás rodada (según sus productores, of course), y para terminar el de La mujer avispa (1960), por cierto, una peli muy Corman, la wasp woman no hace su aparición hasta los cinco minutos finales.

ME GUSTA "INLAND", ME GUSTA "EMPIRE"

2007-01-17T11:26:00.000+01:00

Vista en varios festivales europeos y estrenada en algunas ciudades de los USA, INLAND EMPIRE (así, siempre en mayúsculas), lo último de David Lynch, sigue sin fecha de estreno en España. Por lo que sabemos, la película, de casi tres horas de duración, lleva al extremo la concepción narrativa y el gusto por la atmósfera de su autor y se libera al cien por cien de las ataduras de la industria. Dicha liberación ha sido posible gracias al enamoramiento visceral que Lynch está viviendo con el vídeo digital. Una técnica más flexible, capaz de proporcionarle cientos de horas grabadas y, sobre todo, mucho más barata que el pesado rodaje en 35mm. El resultado, no apto ni siquiera para muchos de sus seguidores, ha provocado la negativa de muchas distribuidoras a proporcionarle un estreno normalizado y ha sido el propio Lynch el que se está encargando de su limitada distribución en USA.

El origen del proyecto nace del inmediato flechazo que Lynch siente hacia las palabras INLAND EMPIRE ("me gusta INLAND, me gusta EMPIRE"), salidas de labios de Laura Dern en una conversación de sobremesa en la que Laura le explicaba a Lynch que su marido procede de esa zona situada al este del condado de Los Ángeles. Por lo demás, desconocemos la premisa de la película porque queremos llegar vírgenes a su estreno (ejem!). A destacar un reparto muy lynchiano, con caras habituales en su cine como la de la gran Grace Zabriskie, Harry Dean Stanton, Justin Theroux, Diane Ladd y la propia Laura Dern, a los que hay que sumar gratas incorporaciones como la de Jeremy Irons o Julia Ormond.

Como colofón, el trailer francés de INLAND EMPIRE, también conocido como "el trailer que David Lynch no quiere que vean sus fans USA".

KIMYA DAWSON: LULLABY FOR THE TAKEN

2007-01-15T13:00:00.000+01:00

Vinculada al movimiento anti-folk, compañera de aventuras de Adam Green en su cruzada lo-fi al frente de The Moldy Peaches, Kimya Dawson, con poco más de treinta años, tiene toda una carrera a sus espaldas. Enamorada de su guitarra acústica y del sonido guarro de un cuatro pistas, Kimya incluyó Lullaby for the Taken en su cuarto disco en solitario, el celebrado Hidden Vagenda (2004). Es una gran canción y además incluye la palabra daddy en su letra, una letra muy Kimya, en la que dulzura, ironía, caos y destrucción van de la mano.

[...] the lady took the baby
i know she loves the baby
but the baby has a daddy
and his daddy loves him too
how could she take the baby?
maybe she's gone crazy
she won't share
it's not fair
there's nothing i can do [...]

LA CORAZONADA DE ANDY

2007-01-15T12:45:00.000+01:00

Extraído de:
Andy Warhol, Diarios; Ed. Anagrama, Panorama de narrativas, 1990

Viernes 15 de enero, 1982

Me llamó Jon, que venía de Los Angeles. Ibamos a ir al preestreno de la última película de Coppola en el Radio City. Pero su avión se retrasó y él no llegó a tiempo.
La película, Corazonada, era aburrida, un bodrio. Frederick Forrest es uno de mis actores favoritos, pero había engordado 10 kilos para el papel. Era bonita de imágenes, pero las imágenes no lo son todo. No funcionará.
Después, mientras estaba criticando la película, vi que se me acercaban los periodistas de la revista People y Time, y cambié de rollo y les empecé a decir lo mucho que me gustaba.

EL ACTOR SECUNDARIO

2007-01-12T12:59:00.000+01:00

¿Dónde lo he visto? El actor secundario pasa de puntillas. Hay cientos, hay miles. Siempre contestan al teléfono y renuncian al oscar si hace falta, no se vaya a traer a F. Murray Abraham de la mano. Hoy proponemos tres, el primero Sidney Greenstreet, visto en El halcón maltés (1941), el segundo, Allen Garfield, atisbado en Cotton Club (1984), el tercero, George Dzundza, se asomó en Instinto básico (1992), ay George, quién te ha visto y quién te ve.

DALLESANDRO ANTES DE WARHOL

2007-01-10T20:18:00.000+01:00

En 1967, recién cumplidos los diecinueve años, Joe Dallesandro conoce a Andy Warhol y a Paul Morrisey. Un nuevo icono sexual había nacido. Pero Joe no había perdido el tiempo, siendo un adolescente se pagaba sus Marlboro con trabajillos de chapero, modelo fotográfico y como actor de porno gay.
Hemos encontrado en Xtube una muestra de su trabajo como modelo para el Athletic Model Guild, tenía quince años. Otro día colgaremos algún clip de alguna de sus películas porno. Anda que no estaba espabilado el chaval.

ESTA VEZ TE HAS PASADO, JONATHAN LETHEM

2007-01-08T20:24:00.000+01:00

Más de cuatro meses nos ha costado leer La fortaleza de la soledad (Ed. Mondadori), última novela publicada en castellano de Jonathan Lethem. Si no abandonamos la lectura de sus más de seiscientas páginas, fue por la simpatía que le tenemos a su anterior trabajo Huérfanos de Brooklyn (Ed. Mondadori), novela negra con detective con Síndrome de Tourette como gran aportación al imaginario de las historias policíacas.

Esta vez nos ha dejado extenuados ante la prolija recreación de los ambientes de su barrio en Brooklyn durante los años de su niñez. Aunque se agradecen los apuntes sobre el entonces incipiente arte del grafitti, el uso de la música pop para hilvanar diferentes momentos de una vida o la aparición estelar del mismísimo cineasta experimental Stan Brakhage, la cosa no acaba de funcionar. Novela muy descompensada que no encuentra un equilibrio en el ancho arco temporal-emocional que abarca. Experiencia fallida de uno de esos jóvenes narradores norteamericanos con pinta de primero de la clase, brillantes, desmesurados, desiguales y a un palmo de llevarse el Pulitzer, entre los que podemos contar, además de Lethem, a Michael Chabon, David Foster Wallace, Jonathan Franzen, Chuck Palahniuk y algunos más que olvidamos. Todos ellos gustan de meterse en camisas de once varas para castigo o gozo del lector y trufan sus historias de referencias pop desde una perspectiva contemporánea, en la que se habla de pop culture como de una asignatura más del conocimiento humano.

COMO PAPÁ NOEL

2007-01-08T01:16:00.000+01:00

Hay navidades que agotan más que otras.

DREAM OPERATOR SEGÚN ANNIE McENROE

2007-01-05T01:31:00.000+01:00

En 1986, David Byrne, líder de los Talking Heads, dirigió True Stories, su primera y única película hasta el momento. Una satírica pero cariñosa mirada de las sencillas gentes de un pueblecito tejano en los ochenta contada en marciana clave arty-pop.

Los Talking Heads acabaron editando ese mismo año un disco de mismo título, True Stories , en el que interpretaban las canciones que cantan los actores en los números musicales de la película. A falta del disco oficial de la película con las canciones interpretadas por los actores, disco que tristemente nunca se editó, recuperamos vía youtube la gran aportación que hizo la actriz Annie McEnroe al poner su voz celestial y su peinado hairspray al servicio de Dream Operator. Véanlo hasta el final y luego vuelvan a ponerlo.

PSIQUEDELIA

2007-01-04T02:51:00.000+01:00

No subestimes el poder de la psiquedelia. No tienes ni idea.

LO ÚLTIMO QUE EL MUNDO NECESITA...

2006-12-22T12:47:00.000+01:00

es un nuevo Blog. Verdad como un templo. Este tampoco tiene mucha razón de ser, también seremos narcisistas y a veces dará vergüenza ajena, quién sabe, pero, aún así, estará bastante mejor que muchos otros, que son más bien insustanciales o todo lo contrario. Y si deja de divertirnos, pues dejaremos de hacerlo.
El asunto, materia o excusa será la cultura pop, ¿qué otra cosa si no?